Las 10 oberturas de Beethoven son piezas cortas que, posteriormente, serían ampliadas y trabajadas para su incorporación en obras mayores. En el fondo es música compuesta para musicalizar ballets (Las criaturas de Prometeo) y obras de teatro: Coriolano de William Shakespeare, Egmont de Johann Wolfgang von Goethe, etc. Se trata de composiciones cerradas y uniformes que expresan emociones e ideas llenas de heroísmo. El tema de la libertad está muy presente en este apartado de la producción del músico de Bonn. Por ejemplo, la Obertura Coriolano (Op. 62) ilustra musicalmente el drama homónimo de Shakespeare basado en el héroe que tiene que escoger entre la libertad de conciencia y su lealtad a las leyes romanas, Leonora n.º 3 (Op. 72a), por su parte, es una obertura destacada de las cuatro escritas para la ópera Fidelio. De idéntica valía son Las criaturas de Prometeo (Op. 43) y Egmont (Op. 84), siendo esta última un buen ejemplo de la típica composición beethoveniana, que se puede definir como «música vigorosa que empieza de forma fragmentaria, cobra un componente épico a medida que avanza y finaliza en apoteosis».
miércoles, 29 de diciembre de 2010
Décima Sinfonía
Según afirmó su amigo Karl Holz, Beethoven se encontraba trabajando en una Décima Sinfonía, cuando falleció, de la cual llegó a tocar ante él unos compases al piano. El fragmento, constaba de una introducción en mi ♭ seguida por un contundente allegro en do menor.
Partiendo de esa escueta descripción, el musicólogo británico Barry Cooper indagó en los últimos esbozos beethovenianos. Habiendo dado con 200 compases que, a tenor de su conocimiento del artista -Cooper es especialista en Beethoven- le pareció legítimo asignar a la hipotética sinfonía, pergeñó, al precio de algunas repeticiones, un primer movimiento que fue interpretado y grabado por la London Symphony Orchestra.
Aun cuando Cooper se guardó bien de pretender que su obra fuera un fiel reflejo de las intenciones de Beethoven -él mismo precisa que el resultado se asemeja más, sospechosamente, a las obras de su época intermedia-, su iniciativa suscitó un escándalo considerable y la existencia de una Décima Sinfonía, siquiera en estado larvario, sigue siendo polémica.
Novena Sinfonía «Coral»
En 1824, por último, Beethoven se consagra como el gran anunciador de un nuevo lenguaje con su Novena Sinfonía «Coral» (Op. 125). Su orquestación (2 trompas adicionales, triángulo, platillos, coro y solistas vocales) y duración (70 minutos) es superior a la de la Eroica. Los primeros tres movimientos (un épico Allegro ma non troppo, un poco maestoso, un electrizante Scherzo y un religioso y soñador Adagio) llegan a su culmen en el deslumbrante finale (Presto-Allegro mam non troppo), que inicia con un recitativo instrumental y con citas de los movimientos precedentes. El tema de la alegría, introducido por la cuerda grave va ganando en intensidad y desemboca en la aparición de la voz humana por primera vez en una sinfonía, con cuatro solistas y coro mixto que cantan en alemán los versos de Friedrich von Schiller: Alegría, hermosa chispa divina,/ hija del Eliseo,/ ebrios de entusiasmo entramos,/ ¡oh diosa! a tu santuario... Esta obra, mundialmente famosa y objeto de un sinfín de arreglos y versiones, fue declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco. El último movimiento de esta sinfonía fue adoptado en 1972 por el Consejo de Europa como su himno y en 1985 fue adoptado por los jefes de Estado y de Gobierno europeos como himno oficial de la Unión Europea.
Para los grandes compositores románticos y posrománticos, la Novena Sinfonía fue el gran legado sinfónico del músico de Bonn, un reto que todos, consciente o incosncientemente, quisieron al menos igualar: desde Schubert (Sinfonía Grande) hasta Brahms (Primera Sinfonía, llamada por el crítico Edouard Hanslick la «Décima» de Beethoven); y desde Bruckner hasta llegar a un colofón dramático y desmedido en el sinfonismo de Mahler.
domingo, 5 de diciembre de 2010
Origen Frances
La teoría francesista basa sus argumentos en un acta de nacimiento en Toulouse donde consta el nombre de Charles Romuald Gardès, hijo de Berthe Gardès, y en su testamento ológrafo, donde Gardel también declaró haber nacido en Toulouse, Francia y ser hijo de Berthe Gardès. Anais Beaux, amiga tolosana de Berta Gardes y el compañero de ésta, Fortunato Muñiz, la ayudaron cuando llegó al país empleándola en su taller de planchado. Los tres convivieron con el cantor en la casa de la calle Jean Jaures 735.[29]
Los "francesistas" sostienen que todos los documentos de Gardel en los cuales figura que nació en Tacuarembó, Uruguay, como su registro de nacimiento, su cédula y sus pasaportes, son falsos.[30] [31]
Desde el 1º de septiembre de 2003, la voz de Carlos Gardel es Patrimonio de la Humanidad, por declaración de la Unesco (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura). En su registro Memoria del Mundo, la UNESCO anotó a Carlos Gardel como "cantor argentino nacido en Francia".
Su nacimiento
Existen dos teorías que argumentan el nacimiento de Carlos Gardel. La teoría francesista sostiene que nació en Toulouse, Francia el 11 de diciembre de 1890. La teoría uruguayista, en cambio, sostiene que nació en Tacuarembó, Uruguay, aunque se afirma que fue en 1883[25] o en 1887.[26]
El hecho de que existan documentos que, por un lado certifican que Gardel nació en Francia, y otros que lo dan como nacido en el Uruguay, han llevado a los investigadores a dar puntos de vista diferentes respecto a este tema.
Cuando sus allegados le preguntaban la cuestión sobre su nacionalidad a Gardel, este sorprendía con frases ingeniosas, evitando dar una respuesta concreta, como por ejemplo: "Nací en Buenos Aires, Argentina, a los 2 años y medio de edad" (que es cuando llegó a esa ciudad).
Efectuó declaraciones públicas, afirmando ser uruguayo[27] a medios uruguayos, colombianos y europeos. También se dijo argentino, criollo y rioplatense,[28] en sus declaraciones públicas.
Celebraciòn
El 24 de junio de 2005, por decisión conjunta de las autoridades municipales de las ciudades de Buenos Aires, Montevideo, Tacuarembó y Medellín (donde falleció), se recordaron los 70 años de la muerte de Carlos Gardel. Por primera vez, se obvió la conmemoración del llamado "Día de Carlos Gardel" en la ciudad francesa de Toulouse. El último homenaje a Carlos Gardel viene de la mano del ayuntamiento de Madrid, que le ha dedicado una calle en un nuevo barrio de Aravaca. La calle transcurre paralela a la calle Luz Casanova y Miriam Fraisero, comprendiendo el tramo que va desde la avenida de Lázaro Carreter y la calle Doctor Balmis.
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miércoles, 24 de noviembre de 2010
llamado eufórico de una marimba
Inesperadamente, se escucha el eco de algo que da visos de alegría. En un inicio parece ser el sonido de un veloz martilleo que va en aumento. Después, la resonancia que produce el golpe de una gota de agua cuando cae dentro de un balde, pero a una escala gigante. Se trata del llamado eufórico de una marimba que sale de una de las casas y recorre la calle, se cuelga de las ramas de los árboles, toca las puertas de los hogares vecinos y desaparece antes de repetirse.
La gente que, en un principio, no parecía estar allí empieza a salir automáticamente de sus casas como si resucitaran al escuchar un llamado que los convoca. Algunos niños corren hacia el golpe de la marimba: sueltan risotadas, aplauden, bailan, se abrazan, sacan sus propios bombos -no se ve ningún juguete, ya lo dije- y empiezan a tocar con la propiedad que les brinda haber nacido envueltos por su sonido. El Tiempo
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La gente que, en un principio, no parecía estar allí empieza a salir automáticamente de sus casas como si resucitaran al escuchar un llamado que los convoca. Algunos niños corren hacia el golpe de la marimba: sueltan risotadas, aplauden, bailan, se abrazan, sacan sus propios bombos -no se ve ningún juguete, ya lo dije- y empiezan a tocar con la propiedad que les brinda haber nacido envueltos por su sonido. El Tiempo
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La calle donde reina la voz de la marimba
En uno de los extremos de Buenaventura, la enorme boca por donde entra al país todo lo que nos llega del exterior, hay un barrio que se llama Viento Libre y en él, una calle sin pavimentar que se abre como si fuera una puerta falsa dentro del desolador panorama de casas resquebrajadas por la humedad del trópico y que, paradójicamente, fue bautizada con uno de los nombres más poéticos del Pacífico colombiano: Piedras Cantan.
Es una calle sin salida bordeada por casas de madera que flotan sobre el agua, ancladas sobre gruesos troncos, tan quietas y grises como la realidad que se percibe al entrar: las puertas y ventanas están cerradas y desgastadas. No hay sillas. No hay triciclos. No hay juguetes. No hay ropa colgada. No hay nada. El entorno agoniza en silencio: el viento no corre libre ni tiene la suficiente fuerza para mover las hojas de las palmas y los árboles.
Tampoco las piedras cantan. El Tiempo
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Es una calle sin salida bordeada por casas de madera que flotan sobre el agua, ancladas sobre gruesos troncos, tan quietas y grises como la realidad que se percibe al entrar: las puertas y ventanas están cerradas y desgastadas. No hay sillas. No hay triciclos. No hay juguetes. No hay ropa colgada. No hay nada. El entorno agoniza en silencio: el viento no corre libre ni tiene la suficiente fuerza para mover las hojas de las palmas y los árboles.
Tampoco las piedras cantan. El Tiempo
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Simon, Tyler
Según Simon, Tyler es un buen tipo y de acuerdo a lo que le ha contado su ex compañero de set Randy Jackson, se han divertido mucho trabajando con él.
El papel de juez es "un trabajo muy divertido y hay que tomárselo como eso. Uno no puede tomárselo demasiado en serio" concluyó el productor.El Tiempo
sábado, 18 de septiembre de 2010
Saeta (música)
La saeta[1] es un canto religioso, generalmente improvisado y sin acompañamiento, realizado en las procesiones de Semana Santa y que tiene su origen en el folclore andaluz. Se trata de una melodía de ejecución libre, llena de lirismo y de influencia árabe. Exigen conocer el estilo del cante jondo propio de la tradición musical del flamenco.
El texto está compuesto por varios versos octosílabos y tiene siempre un significado religioso que alude a los hechos y personajes de la Pasión. Se canta en honor de las imágenes de los pasos que desfilan por las calles durante la Semana Santa.
Rumba (competición)
La Rumba se originó en Cuba como un baile típico de un ambiente caliente. Este baile se ha convertido en el baile más clásico de los bailes latino-americanos. En este baile, se intenta representar el viejo papel de que la mujer domina sexualmente al hombre, insinuándole e intentando deslumbrarle con sus encantos. En una buena coreografía de este baile debe aparecer un elemento típico como es el "tease and run", es decir, la mujer acepta al hombre pero después lo empuja y ya no lo desea. Este baile se convierte así en un juego de amor entre dos. Otras versiones de la Rumba son el "Beguine", "Calypso" y la "Guaracha".
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guerras de Rumba
Desde 1956 hasta 1958 y desde 1961 hasta 1963 se llevaron a cabo dos "guerras de Rumba" entre Gran Bretaña y Francia, para estandarizar la Rumba. La pelea terminó con la decisión de los comités internacional de aceptar ambas variantes. Finalmente la variante lenta de la Rumba fue incluida como "la Rumba Cuadrada" en el programa de baile y la Rumba cubana más difícil, en el programa de la competición que se bailó en 1964.
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características de la rumba
La Rumba se caracteriza por sus movimientos eróticos y a veces grotescos. Las canciones hablan a menudo sobre la vida diaria de la gente de color de clase obrera. Muchos de los elementos de la Rumba han influido y han enriquecido otros bailes folklóricos: la Guaracha, la Carioca, el Beguine, la Conga, el Mambo y el Cha-cha-cha. En 1930 la Rumba llegó a Europa de forma estabilizada y comercializada vía Nueva York, donde ya había adoptado varios elementos del Jazz.
Durante el Tercer Reich la Rumba fue prohibida, y en otros países el interés fue disminuyendo. Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un renacimiento de este fascinante baile con dos variantes: el estilo rápido cubano de la Rumba (Mambo Bolero), cuya coreografía provenía de Gran Bretaña, y el estilo continental lento cuadrado de la Rumba (Bolero de Rumba) basado en una coreografía francesa. (El Bolero cubano debe ser separado del Bolero español basado en el Fandango con un ritmo de tiempo 3/4.).
jueves, 29 de julio de 2010
Música popular
Andorra
En Andorra han surgido diferentes estilos musicales folclóricos, muchas de ellas son propias de las regiones catalanas entre España y Francia. Si bien con el coloniaje en las Américas por los españoles y franceses, en algunos países de Hispanoamérica y la provincia canadiense de Quebec son similares.
Argentina
El grupo musical trompetista argentino Eddie Pequenino y su banda Mr. Roll & sus Rockers junto a Billy Cafaro son considerados los primeros rockeros del país, quienes influenciaron decisivamente el nacimiento del rock argentino. La semejanza del primero con Bill Haley es notable.
El tango es tal vez el estilo musical más famoso de Argentina y Uruguay, siendo conocido en el mundo entero. Otros ritmos incluyen la chacarera,la zamba[cita requerida] y el Chamamé. El Rock Argentino comenzó su popularidad durante los años 1980, extendiéndose hasta la fecha por el resto de Latinoamérica y EE.UU. de habla hispana.
Bélgica
Bolivia
La música de Bolivia es una de las más representativas de su población, entre todos los estilos musicales nacionales de Suramérica. Posterior al periodo nacionalista de los años 50, las culturas quechua y aymara lograron una mayor y mejor aceptación, como consecuencia de esto, los estilos de música representativos tuvieron un periodo de fusión gradual con el pop. Los Kjarkas jugaron un papel importante en esta fusión, y en popularizar la música folclórica en el país, siendo una de las mas grandes controversias cuando se inicio un juicio contra una agrupación brasilera que plagio el tema "llorando se fue" e interpretándola en ritmo lambada cuando la versión original es en ritmo de saya. Otras formas de música nativa, como el huayño y la danza del Caporal saya son muy difundidas. wikipedia
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Orígenes de la música Latina
La llegada de los españoles y su música marca el inicio de la música latinoamericana. En las épocas inmediatamente anteriores había existido en España y Portugal una coexistencia de diversos grupos étnicos, incluyendo árabes, moros del Norte de África, gitanos, judíos y cristianos, cada cual con sus propias manifestaciones musicales, que contribuyeron a la evolución primigenia de la música latina. Muchos instrumentos musicales de los moros fueron adoptados en España, por ejemplo, y el estilo de canto nasal norafricano y su frecuente uso de la improvisación también fueron recogidos por los ibéricos. De la Europa Continental, España adoptó la tradición francesa de los trovadores, la cual en el siglo XVI fue parte importante de la cultura española. De esta herencia se mantuvo el formato de composición lírica de la décima, la cual se mantiene como parte fundamental de la música latinoamericana, estando presente en los corridos, boleros, y vallenatos.
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Algunos pueblos modernos de América Latina son esencialmente africanos, como los garifuna de América Central, y su música refleja su aislamiento de la influencia europea. Sin embargo, en general, los esclavos africanos llegaron al
continente americano modificando sus tradiciones musicales, adaptando los estilos rítmicos africanos a las canciones europeas o viceversa. wikipediacursos de guitarra bogota
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Música indígena colonial y moderna
La música indígena en algunos países andinos (Ecuador, Perú y Bolivia) tiende a la utilización prominente de instrumentos de viento usualmente elaborados en madera y cañas, así como en huesos de animales. El ritmo es usualmente mantenido con tambores cubiertos con madera y cueros con patrones rítmicos simples de variados tempos. También esto es acompañado de instrumentos con estilo de sonajas hechos de pezuñas, guijarros o semillas. Los instrumentos de cuerda de origen europeo y mediterráneo han tenido adaptaciones locales: el charango y la mandolina. wikipedia
Guitarra acústica
Uno de los instrumentos más viejos y curiosos es la guitarra. Esta forma parte de una compilación de instrumentos existentes hace miles de años, naciendo en el siglo XVI. La guitarra acústica es un tipo de guitarra, cuyo sonido se genera mediante la vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica. El termino guitarra acústica es un retrónimo que proviene del inglés, acuñado para diferenciarla de la guitarra eléctrica, la cual requiere de amplificación eléctrica para poder ser utilizado.
No obstante, el idioma español parece reservar el adjetivo "acústica", tratándose de guitarras, únicamente para aquellas que, sin ser eléctricas, tienen las cuerdas de metal. En castellano, la denominación correcta de este instrumento es "guitarra sajona", aunque casi siempre se emplee el préstamo del inglés. wikipedia
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